Il Sony World Photography Awards (SWPA) è il più prestigioso concorso fotografico del mondo con la più vasta gamma di categorie e aperto a fotografi di ogni livello. Il SWPA prevede tre giurie per la premiazione delle tre categorie principali: il professionisti, gli amatoriali e la sezione Student Focus.

Per la prima volta nel 2011 Londra ha ospitato la premiazione finale del concorso, dopo che il Festival ha attraversato 3 importanti città intorno al mondo: San Francisco, Mexico City e Shangai. La cerimonia tenuta presso l’Odeon Leicester Square ha proposto una sfilata completa sui fotografi professionisti vincitori di ogni singola categoria.

Alejandro Chaskielberg

Tra i 13 vincitori, il fotografo argentino Alejandro Chaskielberg ha ricevuto il riconoscimento Iris D’Or con il suo progetto “Hide Tide”, il fotoreport in cui ha immortalato momenti di vita quotidiana della comunità isolana ignorata per decenni sul delta del fiume Paranà.

Ecco una breve galleria dei suoi scatti

Amit Madheshiya

L’ indiano Amit Madheshiya è stato premiato fotografo dell’anno nella categoria “Arte e Cultura” grazie alla sua serie vincente di immagini intitolata People Watching Cinemas at the Nomadic Talkies in cui immortala gli spettatori di proiezioni notturne in cinema itineranti. Questa concezione di cinema nomade è molto popolare nelle aree rurali dell’india e sono spesso visitate da migliaia di persone appartenenti a villaggi vicini: le immagini di Amit catturano le persone, i loro sentimenti e l’atmosfera generale di queste situazioni.

Ecco le sue foto

Pavel Wolberg

Il premio sulla tematica dello Sport va all’israeliano Pavel Wolberg che immortala una particolare gara tradizionale di una popolazione nomade dell’Etiopia: la Fat Man Competition.

Galleria della Fat Man Competition

Il premio per miglior fotografo non professionista del SWPA 2011 è andato al gioielliere di Hong Kong Kwok Hung con il suo progetto Bufalo Race, mentre il concorso Student Focus ha visto come protagonista uno studente francese dell’istituto École Nationale Supérieure Louis Lumiere, Luis Boulet che ha presentato una serie di immagini sul tema Le azioni parlano più forte delle parole.

Della vita di Miroslav Tichy non si sa molto ma negli ultimi anni ha riscosso un enorme successo: il suo carattere burbero che lo ha portato all’isolamento totale, alla vita asociale e alla conseguente perdita di molte delle sue opere lo hanno reso ancora di più un mito.

Il voyeur sovversivo

Le foto di Tichy rispecchiamo pienamente quel suo intento di vivere una vita totalmente autosufficiente ed estranea dai canoni della società. L’oggetto principale del suo interesse sono state le donne di qualsiasi tipo: dalle ragazze che incontrava per strada, alle casalinghe intente nella spesa, dalle prostitute dai forti lineamenti alle aggraziate ballerine. Fotografava principalmente ciò che incontrava per la sua strada e lo faceva di nascosto, da sotto il cappotto.
Molte delle sue fotografie, poi, venivano disegnate, macchiate di inchiostro, stropicciate, strappate e totalmente devastate: si pensa che Miroslav le utilizzasse le foto scattate per fare dell’autoerotismo. A causa della natura erotica di alcuni dei suoi lavori, Tichy non ha mai riscosso gran successo nel suo paesino natale di Kyjov in quanto lo consideravano un guardone folle.

Nonostante Tichy sia stato nella scena per molti anni, ha riscosso una certa fama sono nell’ultimo periodo della sua vita. È da dire, però, che Tichy non si è mai interessato alla promozione della sua arte, ha distrutto gran parte dei suoi lavori facendoci il falò e non ha mai rilasciato interviste tanto che nel 2004, nonostante l’enorme successo riscosso dall’esposizione dei suoi scatti dal collezionista svizzero Roman Buxbaum, il fotografo eccentrico e lunatico non presenziò nemmeno.

Il successo ha comunque portato le sue opere nelle gallerie di tutto il mondo tanto che nel 2010 l’International Center of Photografy di New York ha esposto la sua prima personale.

Ecco una breve galleria dei suoi scatti:

Parlerò di “regole” di composizione individuali nei post futuri; per adesso mi limito a presentarvi alcuni bellissimi esempi di composizioni che ho trovato tramite una ricerca su Flickr Creative Commons.

Un uso perfetto, quasi letterale, del concetto di “inquadratura”

Ottimo uso della linea dell’orizzonte – 1/3 al di sopra della cornice invece che centrata. Uno spostamento di 2/3 al di sopra alla cornice, invece, è adatto se il soggetto è per terra.

Piacevole e semplice, con un ottimo equilibrio.

Un altro bell’esempio di semplicità, con ottima applicazione della “regola dei terzi”.

Fantastico uso di bilanciamento, inquadratura, semplicità e prospettiva.

Crediti per le foto (in ordine di apparizione):

- “Outside the frame” di Hamed Masoumi su Flickr Creative Commons.

- “And the road goes on and on” di Eugeni Dodonov su Flickr Creative Commons.

- “My Breath of Joy” di Vincepal su Flickr Creative Commons.

- “Rose Bud” di Abhijit Tembhekar su Flickr Creative Commons.

- “Tiree Perspective” di MacJewell su Flickr Creative Commons.

I maestri di tale arte spesso hanno studi fotografici ricchi di attrezzatura molto complessa, con laser e sensori capaci di individuare il momento giusto per catturare queste meravigliose figure d’acqua.

Di seguito un breve video che illustra come catturare lo splash di una goccia d’acqua.

[youtube fwExpFDUC9Y]

La natura astratta della Splash photograhy permette di generare fantastiche composizioni di colori e forme che spesso si approcciano a quelle della realtà di tutti i giorni, per cui come le nuvole in cielo, queste sculture di acqua possono modellarsi per creare un profilo umano, un albero o una roccia, un palazzo in stile moderno.

Le immagini della galleria che segue sono state realizzate da artisti che hanno portato quest’arte a nuovi livelli e che hanno creato matrici di forte ispirazione per chi si volesse cimentarsi in questa specialità fotografica.

Sculture d’acqua – Splash Photography

(per i crediti delle immagini visitate questa pagina da cui sono state prese le fotografie http://www.noupe.com/inspiration/the-beauty-of-liquid-sculptures.html)

Nel post precedente abbiamo dato un breve accenno di cosa fosse la simmetria dal punto di vista prettamente scientifico. La simmetria è un elemento chiave della natura che ci circonda, dell’uomo e delle sue creazioni . Nella composizione fotografia, la simmetria riporta alla semplicità le forme complesse e rende le cose più semplici da capire.

La simmetria è ovunque.

La puoi osservare in un quadrato, in una barretta di cioccolato,  quando sistemi tutte le sedie attorno ad un tavolo, nell’architettura, nelle cupole, negli archi, nelle scale e nelle porte. La osservi nei computer e nei telefoni cellulari.

La simmetria rende gli oggetti più piacevoli da osservare, e diventa difficile da ignorare una volta che iniziate a guardarvi attorno e a studiare l’ambiente che vi circonda.

La simmetria, tuttavia, non è sempre la scelta migliore da utilizzare in fotografia, e capire quando sfruttarla nelle nostre composizioni fotografiche richiede pratica e spirito di osservazione.

Nella galleria che segue potete ammirare alcuni esempi di come la simmetria possa migliorare nell’insieme i nostri scatti, alleggerendone le forme e arrichendone i contenuti.

Questa nuova interpretazione è data dal fatto che in fotografia, i piani tendono a sovrapporsi e nella sua peculiare bidimensionalità, si viene a perdere il senso della distanza, della lontananza e della dimensione.

Godetevi questa simpatica galleria di immagini e provate a realizzare qualcosa si simile anche voi!

Scattare fotografie sotto la pioggia produce effetti contrastanti di drammaticità o di leggero romanticismo. Le nuvole, i colori dell’arcobaleno, i riflessi nell’acqua sono tutti elementi che concorrono a rendere le immagini attraenti e diverse l’una dall’altra.
Di seguito potete ammirare una lista di 35 bellissime fotografie scattate “sotto la pioggia”; che possano essere di inspirazione!

La luce, si sa, è una componente fondamentale della fotografia, anzi ne è il principio. Tutti i fotografi apprendono, durante la loro fase che li porta da essere semplici amatori dell’arte fotografica a veri e propri cultori e filosofi dell’ immagine,  tutte le tecniche e le combinazioni affinché i contrasti e giochi di luce all’interno della loro immagine siano il più possibile armoniosi, artistici e comunicativi.

E’ anche vero che il giudizio sull’ esposizione di una fotografia è arbitrario e quella che può sembrare una foto perfetta per qualcuno, appare totalmente sottoesposta ad un ‘altro ( e qui interviene il lato filosofico e trascendentale della fotografia).

Nella galleria proposta sotto la luce, invece di essere mezzo di scrittura dell’ immagine, viene ad essere il vero soggetto e si sposta la propria valenza dal campo dell’ esposizione a quello della composizione; infatti nelle foto che seguono i fotografi si sono cimentati nel creare dei particolari effetti  e sagome di luce (se non vere e proprie figure) servendosi di piccole luci colorate e utilizzando tempi di apertura molto lunghi, il tutto lavorato naturalmente nelle ore notturne. Il risultato è a dir poco sorprendente.

Cercate di capire come sono state realizzati e commentate le vostre soluzioni (o se avete qualche esperimento da suggerire).
Per avere i credits delle immagini visitate la pagine di Smashing Magazine da cui sono state prese.

E di sicuro Chema Madoz (madrid 1958) ne è la prova. Il fotografo riesce a catturare gli elementi della quotidianità ridando loro nuovi significati ed esplorando nuove possibilità.
Nella fotografia di Madoz nuove dimensioni e metafore alterano la percezione della realtà immediata a cui siamo abituati in modo assurdo, paradossale e umoristico (a volte sarcastico).

Potete leggere tutto su questo autore al suo sito internet ufficiale.

Ecco un anteprima dei suoi lavori di fotografia: