Quello che segue è un guest post scritto da Alberto l’autore del blog www.fotocomefare.com

Nella fotografia ci sono un sacco di regole da seguire per fare foto corrette, belle o professionali. Ma presto si scopre anche come rompere queste regole, fare qualcosa di inconsueto, permetta di creare vere opere d’arte che sorprendono e lasciano senza fiato.
Lo zooming è una tecnica che si basa proprio sulla rottura delle regole e su un uso insolito della fotocamera per ottenere foto estremamente dinamiche, in cui il soggetto principale sembra quasi proiettato verso l’osservatore. Vediamo di cosa si tratta.

( foto di Teeejayy)

Cos’è la tecnica dello zooming

Questa tecnica serve a creare foto in cui il soggetto sembra muoversi verso o allontanarsi dall’osservatore. La magia sta nel fatto che tipicamente si applica ad oggetti immobili. Quella che si crea è infatti l’illusione del movimento. In parole povere, lo zooming si ottiene zoomando, appunto, mentre la foto viene scattata.

Le foto che si ottengono con questa tecnica presentano generalmente un soggetto nitido (o quasi) al centro di un’inquadratura in cui gli oggetti circostanti creano delle scie (guarda gli esempi in questa pagina per farti un’idea).

Come si effettua lo zooming

Lo zooming è più facile da usare sulle fotocamere reflex con obiettivi zoom. Per mettere in pratica questa tecnica devi:

• stabilizzare la fotocamera, fissandola su un treppiede o appoggiandola su una superficie solida,
• scegliere la modalità a priorità di tempi (indicata dalla sigla S o Tv sulla ghiera delle modalità di scatto),
• impostare un tempo non veloce (approfondiamo questo aspetto più in basso),
• comporre la foto in maniera che il soggetto che vuoi nitido stia al centro dell’inquadratura,
• premere il pulsante di scatto, come fai in ogni foto,
• non appena hai premuto il pulsante, zoomare rapidamente.

Foto di byob_soad2

È assolutamente cruciale che il soggetto principale si trovi al centro dell’inquadratura. Questo è il limite più grosso di questa tecnica, ma deriva semplicemente dal fatto ovvio che gli obiettivi zoomano verso il centro, non lateralmente.

Anche il supporto della fotocamera, ovvero il treppiede o qualsiasi degno sostituto, deve essere molto solido. Siccome si agisce sulla fotocamera durante lo scatto, la probabilità di ottenere una foto troppo mossa è altissima. Inoltre, per ottenere buoni risultati può essere necessario ricorrere a tempi di posa abbastanza lunghi, incrementando ancora questo rischio.

Qual è il tempo di posa migliore per realizzare lo zooming?

Il tempo di posa è l’impostazione principale da tenere in considerazione. Esso dev’essere sufficientemente lento da dare il tempo alla fotocamera di catturare le scie dovute alla zoomata. Infatti, quello che succede è che, mentre l’otturatore è aperto, effettui la zoomata, e quindi la fotocamera registra il movimento degli oggetti che cambiano posizione nell’inquadratura man mano che ingrandisci o riduci.

Al contempo, il tempo di esposizione non deve essere tanto lento da sovraesporre eccessivamente la foto. Usando la modalità a priorità di tempi, la fotocamera aumenterà il valore dell’apertura in maniera da mantenere corretta l’esposizione. Se questo non bastasse, ad esempio perché stai scattando all’aperto e la luce è troppa, una buona idea è usare un filtro, come il filtro neutro, che riduce di alcuni stop la luce in ingresso nella fotocamera, permettendo di abbassare il tempo di esposizione. Anche il filtro polarizzatore, che potresti già avere, riduce la luce di uno stop.

Un tempo di esposizione perfetto non c’è. Il consiglio migliore è quello di sperimentare, soprattutto per capire quanto tempo ti ci vuole per zoomare abbastanza da creare un effetto visibile. Un tempo troppo corto non permette di apprezzare l’effetto.

Foto di gmajsicmtc

Zoomare avanti o indietro?

La cosa più istintiva è quella di zoomare avanti, ovvero di ingrandire il soggetto. Ma è possibile zoomare anche indietro, allargando l’inquadratura. La differenza principale consiste nel fatto che zoomando avanti la foto avrà il soggetto ingrandito, quindi esso ha più forza nella composizione della scena. Al contrario, zoomando indietro il peso del soggetto si riduce e può diventare insignificante. Ad esempio, tra le foto qui sotto, quella a sinistra è stata realizzata zoomando avanti, quella a destra zoomando indietro.

Personalmente, preferisco la zoomata avanti, ma anche la zoomata indietro hai suoi vantaggi. Ad esempio, essa fa notare di meno eventuali vibrazioni della fotocamera ed è più indicata per soggetti di grandi dimensioni, la cui forma altrimenti diventerebbe difficile da intuire.

Ultimi consigli

È bene riflettere su quale intervallo di lunghezze focali vuoi coprire con la zoomata.
Un obiettivo zoom con un intervallo di lunghezze focali troppo corto finisce la sua corsa troppo presto e potrebbe non bastare per ottenere un effetto evidente.
Al contrario, una corsa troppo lunga potrebbe richiedere troppo tempo e quindi un effetto esagerato. A ciò però è facile ovviare zoomando solo fino ad un certo punto. Ad esempio, su un 18-105, potresti zoomare partendo da 35 e arrivando a 100, nel caso in cui usare tutto l’intervallo non portasse l’effetto desiderato.

È possibile applicare questa tecnica anche senza essere dotati di un obiettivo zoom. Infatti, potresti zoomare con il corpo, ovvero avvicinarti o allontanarti dal soggetto. Chiaramente, ciò in molti casi introduce un sacco di vibrazioni che possono rendere la foto inutilizzabile. Però, facendo scivolare la fotocamera su una superficie liscia, si riducono di molto le vibrazioni.

La tecnica di per sé è di semplice attuazione, ma richiede pratica per trovare l’intervallo di lunghezze focali giusto ed imparare a zoomare senza scuotere troppo la fotocamera. Comunque è una pratica divertente e vale la pena avere anche questa tecnica nel proprio arsenale creativo.

Per leggere altri tutorial come questo, vai sul mio blog,  www.fotocomefare.com, dove trovi anche numerosi articoli sulla fotografia scritti in un linguaggio comprensibile a tutti.
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La cosa principale da tenere a mente quando si applica la tecnica di panning è che il soggetto dovrebbe muoversi in modo più o meno perpendicolare rispetto all’orientamento dell’obiettivo. Lo scopo del panning è di rendere chiara l’idea del movimento e della velocità portando in soggetto in primo piano ben definito su uno sfondo mosso.

È necessario tenere a mente che la regolarità del movimento aiuta nella nitidezza del soggetto della foto: nel caso di automobili in movimento è molto più probabile ottenere foto nitide rispetto al tentativo su un corridore o su animali in movimento in cui la regolarità non è costante. Per quanto appena detto, quando si affronta la tecnica di panning è necessario studiare attentamente il movimento del soggetto ed intuirne, almeno approssimativamente la traiettoria.

Per ottenere l’effetto panning è necessario seguire il soggetto per un tempo abbastanza lungo da rendere “mosso” lo sfondo su cui si trova per dare appunto l’effetto di movimento necessario. Un tempo lungo implica pertanto l’utilizzo di macchine fotografiche in cui questo valore sia impostabile manualmente, come le reflex o automatiche più avanzate.

Non sempre le comuni macchine digitali lo consentono oppure succede che si tenta la tecnica ma senza successo: è possibile ovviare al problema simulando il panning grazie a facili passaggi in fotoritocco.

L’unico modo per diventare dei veri esperti nella tecnica è fare tanta pratica con soggetti differenti per comprenderne tutte le peculiari caratteristiche, studiarne il movimento in modo da raggiungere un livello di intuizione tale da stimare velocemente il tempo di esposizione necessario e la posizione ottimale per ottenere fotografie di buon livello.

L’orientamento, il modo in cui tenete la vostra fotocamera, orizzontale o verticale per intenderci, è un fattore di grande importanza per la resa finale di una fotografia; la maggior parte dei novizi tende a scattare foto esclusivamente con orientamento orizzontale, o panoramico.

Ecco alcune linee guida su come enfatizzare, attraverso una scelta corretta dell’orientamento, alcuni dettagli di un soggetto fotografico.

Che tipo di orientamento preferite?

Orientamento fotografico 1: trabucco sul mare

Nelle foto qui in alto (scusate la qualità ma sono state scattate da dietro un vetro di un treno in corsa) lo stesso soggetto è stato catturato utilizzando entrambi gli orientamenti, quello panoramico (in inglese landscape - paesaggio) e quello verticale (in inglese portrait – ritratto). In realtà in questo esempio non è possibile dire con precisione quale sia l’orientamento corretto, dal momento che le due modalità danno un risalto e una profondità diversa al soggetto:

• Orientamento orizzontale: nel primo esempio a sinistra, l’orientamento orizzontale bene si presta per una soggetto la cui forma si slancia in orizzontale e lo stesso fa l’orizzonte in secondo piano, per cui l’attenzione dell’osservatore si concentra sulla parte centrale dello scatto
• Orientamento verticale: nel secondo esempio invece, la scelta di scattare la foto in verticale è servita per creare una grande profondità di campo e per mettere in evidenza la scena nella sua interezza, per cui l’osservatore nota sia i dettagli in primo piano, come l’erba e le rocce nell’acqua, così come quelli in secondo piano

Orientamento fotografico 2: paesaggio di montagna

Nelle due foto qui proposte (scattate da dietro il vetro di un autobus questa volta) ho catturato 2 soggetti diversi, scegliendo in ognuno dei due casi un tipo di orientamento diverso e adatto alla situazione:

• Orientamento orizzontale: nel catturare l’immagine di questo ridente paesino di montagna non potevo fare a meno di utilizzare l’orientamento landscape, per catturare nella sua interezza le case (o buona parte di esse) che lo compongono creando una suddivisione della immagine in 3 aree distinte: quella del cielo, quella delle case e quella degli alberi in basso
• Orientamento verticale: la foto di destra è stata scattata a Roccaraso, e precisamente sul piano delle 5 miglia. Quella specie di fiume marrone è in realtà una pista da sci chiaramente priva di neve. La scelta dell’orientamento verticale quindi è stata operata esclusivamente per mettere al centro dell’attenzione la pista e la valle che si sviluppano lungo una linea verticale. Avrei potuto scattare un’altra foto e catturare l’intera valle, questa volta in modalità panoramica… ma non mi sembrava il caso di far fermare il bus

Per riassumere in una norma generale possiamo dire che:

L’orientamento orizzontale è più indicato per quei soggetti che si sviluppano seguendo linee orizzontali, come un paesaggio di montagna, un paesaggio marino, un gruppo di case o di persone.

Foto di Robinh00d

L’orientamento verticale è indicato per figure le cui forme si slanciano verso l’alto come ritratti di persone, monumenti, statue, alberi, palazzi e ogni volta che si vuole enfatizzare l’altezza del soggetto fotografico.

In alcuni casi la scelta dell’orientamento è dettata da fattori di tipo tecnico o commerciale per cui se state realizzando delle fotografie per un calendario è probabile che dovranno essere tutte orientate allo stesso modo, per motivi di impaginazione.

Ricordate che:

Le linee sono lo strumento di composizione più potente, per cui non sorprende il modo in cui influenzano la scelta dell’orientamento,per cui se non siete sicuri sulla scelta domandatevi: Da che parte vanno le linee di composizione?

Se ancora non siete sicuri sulla scelta allora scattate due immagini dello stesso soggetto, una impugnando la fotocamera in orizzontale e una tenendola invece in verticale e osservate in un secondo migliore quale delle due soddisfa di più le vostre aspettative; servirà a fare pratica e a rendervi pronti per gli scatti successivi.

Foto di brandonmulnix

1. Se volete una fotografia “tradizionale” avrete bisogno di interpretare il ruolo di regista per assicurarvi che tutti gli occhi e i visi siano nella vostra direzione.
Lavorare con grandi gruppi di persone può essere un po’ stancante, perciò preparatevi ad essere pazienti e decisi, vi sarà d’aiuto. Quando tutti saranno pronti non abbiate paura di scattare una dozzina di foto o di utilizzare la modalità “scatto continuo” (ossia scattare più foto in sequenza e scegliere quali tenere) per essere sicuri di avere almeno un’immagine in cui tutti quanti stiano guardando nella vostra direzione. Il contatto visivo non è sempre fondamentale, e alcuni scatti in cui è intenzionalmente evitato possono essere ancora più intriganti e spontanei. Perciò, piuttosto che forzare il soggetto a guardare continuamente l’obiettivo, fate in modo che si rivolga in una serie di direzioni diverse per ravvivare un po’ la scena.

2. Lo scatto “tradizionale” non è per tutti, perciò mettete in moto le sinapsi e ideate pose divertenti, personalizzate e variegate. Far sentire i soggetti a proprio agio è il primo passo, perciò scattate alcune foto in un ambiente familiare e confortevole. Questo vi aiuterà a dare carattere e narrativa alle immagini.

Foto di brandonmulnix

3. Come sempre, l’illuminazione è la chiave. Se scattate all’interno e non potete permettervi luci costose utilizzate la forma di luce migliore e più economica esistente: il sole!
Posizionate il gruppo davanti o parallelamente ad una grande finestra; se è una giornata particolarmente luminosa copritela con una tenda leggera, per esempio a rete, oppure fissate un telo di cotone bianco a mo’ di diffusore per una luce più omogenea e tenue. Se decidete di usare il flash, potrebbe esservi utile adoperare un diffusore per attenuarne l’effetto ed evitare chiazze sulla pelle o texture piatte.

4. Se state scattando all’esterno lasciate pure correre la vostra immaginazione. Tenete sempre presente la luce, dato che il sole può creare fastidiose ombre sul viso. Se il sole è dietro al soggetto otterrete una silhouette creativa, oppure potete aggiungere un accenno di flash per definire un po’ i dettagli e generare un alone di luce intorno ai soggetti, separandoli dallo sfondo.

Foto di Studio 5:55

5. Evitate di posizionarvi davanti al sole, altrimenti i soggetti si ritroveranno a dover strizzare gli occhi per guardarvi. Provate invece a ispezionare i dintorni: ci sono posti che offrono un po’ d’ombra? Un porticato, un ombrellone o anche un telo bianco steso sopra i soggetti. Per quest’ultimo avrete bisogno di fissare gli angoli del telo a quattro pali e chiedere al gruppo di sedervisi sotto, ma potreste ritrovarvi con un ritratto estivo e decisamente “rilassato”.

6. Può sembrare smielato, ma serve a donare omogeneità: potreste inserire altri elementi per unire i membri della fotografia, quasi come a dire “sì, siamo una famiglia!”.
Suggerimenti in tal senso possono essere colori o oggetti in coordinato tra loro. Se volete ambientare lo scatto in una situazione più tradizionale o rilassata chiedete ai familiari di vestirsi con toni naturali o pastello. Scegliete colori brillanti, forti e contrastanti per scatti più energici e frivoli.

Foto di monroet21

7. Oltre a scattare con la famiglia seduta e in piedi, sperimentate mettendo metà gruppo a sedere e l’altra metà in piedi. Dividete il gruppo in livelli: l’osservatore avrà un’immagine più dinamica, forzando l’occhio a saltare da una scena all’altra.
Inserite accessori di scena, specialmente se ci sono bambini; non solo vi serviranno a diversificare la scena, ma potranno aiutare a rivelare la personalità dei bambini. Per esempio, una sedia può essere utilizzata non solo sedersi: qualcuno potrebbe salirci sopra in piedi, qualcun altro mettervisi a gattoni sotto, altri potrebbero appoggiarvisi, potete inserire più bambini per volta etc.

8. In teoria, per foto tradizionali, un obiettivo grandangolare è ottimo per includere tutta la famiglia. Se si tratta di una situazione più rilassata potete usare uno zoom per scattare foto a grandangolo con lo sfondo scenico e immagini più ravvicinate per cogliere momenti particolari. Usate un’apertura di f/5.6 o meno e sfocate lo sfondo. Questo vi permette di giocare con chi avete davanti.

9. Lasciate perdere le pose noiose, siate originali e cercate angolazioni diverse. Salite su una scala o una sedia e scattate dall’alto; è ottimo con grandi gruppi o se volete utilizzare posizioni più creative. In alternativa, sdraiatevi con la schiena a terra e scattate verso l’alto, in direzione del gruppo. Anche posizionare la fotocamera in angolazioni strane può creare alternative interessati, e perfino i ritratti di profilo possono essere creativi.

10. Divertitevi! Sguinzagliate l’entusiasmo e chiedete alla famiglia di correre, saltare, girare, mettersi sulle spalle l’un l’altro, ballare, azzuffarsi ed in generale ridere! Fategli fare cose che li allontanino dalla rigidità o formalità. Inserire movimenti nelle foto è interessante e rilassa il soggetto e di conseguenza l’osservatore. Per catturare il momento scattate a 1/125 o 1/500 – potreste dover aumentare l’ISO se c’è luce bassa o usare il flash se necessario. In alternativa, per inserire una sfocatura creativa e riflettere il movimento, usate una velocità di apertura di 1/8 o 1/15. Utilizzate l’autofocus continuo, se la vostra fotocamera ve lo permette, e seguite i movimenti per mantenere il soggetto definito.

Una fotografia composta con semplicità cattura l’attenzione e le emozioni degli osservatori assai più di uno scatto molto “impegnato“, con uno sfondo pieno o con “troppi elementi di disturbo“.

Ci sono alcuni concetti da tenere a mente quando si adotta uno stile fotografico semplice. Un breve profondità di campo può servire a minimizzare la confusione sullo sfondo e focalizzare l’attenzione dell’osservatore. Prendiamo in esame questa fotografia:

Foto di Kuzeytac

Se si fosse utilizzata una profondità di campo più ampia la rosa si sarebbe “persa” tra le altre rose e le foglie del cespuglio, riducendo il livello di interesse che la foto avrebbe suscitato.
Usate un occhio minimalista quando componete una foto con una maggiore profondità di campo.

Ad esempio, analizziamo questo scatto:

Foto di seier+seier+seier

L’occhio cade naturalmente sulla persona, la grandezza dello spazio circostante è visibile senza essere dispersiva e l’uso di uno sfondo neutro aumenta l’impatto visivo dell’immagine.

È possibile, comunque, fare anche fotografie troppo semplici, che diventano banali. Prendiamo come esempio questa foto:

Foto di lrargerich

In questo scatto il cielo è sereno e l’erba è di un verde vivo. Possiamo dire che si tratta di una fotografia di una bella giornata, ma non c’è nessun’elemento altro in grado di catturare l’attenzione dell’osservatore.

Inserire un oggetto nello scatto – una palla colorata, una tovaglia da picnic, una persona seduta nell’erba – avrebbe suscitato più interesse.

Trovare l’equilibrio giusto tra semplicità e soggetto richiede tempo, pratica e pazienza. Una volta compreso il concetto di composizione in questo senso, otterrete fotografie d’impatto e stimolanti a livello visivo.

Parlerò di “regole” di composizione individuali nei post futuri; per adesso mi limito a presentarvi alcuni bellissimi esempi di composizioni che ho trovato tramite una ricerca su Flickr Creative Commons.

Un uso perfetto, quasi letterale, del concetto di “inquadratura”

Ottimo uso della linea dell’orizzonte – 1/3 al di sopra della cornice invece che centrata. Uno spostamento di 2/3 al di sopra alla cornice, invece, è adatto se il soggetto è per terra.

Piacevole e semplice, con un ottimo equilibrio.

Un altro bell’esempio di semplicità, con ottima applicazione della “regola dei terzi”.

Fantastico uso di bilanciamento, inquadratura, semplicità e prospettiva.

Crediti per le foto (in ordine di apparizione):

- “Outside the frame” di Hamed Masoumi su Flickr Creative Commons.

- “And the road goes on and on” di Eugeni Dodonov su Flickr Creative Commons.

- “My Breath of Joy” di Vincepal su Flickr Creative Commons.

- “Rose Bud” di Abhijit Tembhekar su Flickr Creative Commons.

- “Tiree Perspective” di MacJewell su Flickr Creative Commons.

FRAMING (INCORNICIATURA)

Tutti noi abbiamo l’abitudine di incorniciare le nostre fotografie prima di appenderle alla parete ma possiamo anche “incorniciare” i nostri soggetti all’interno dello stesso scatto evidenziando così il principale punto di interesse nell’immagine e inserendololo in un contesto che dia un effetto di profondità all’immagine.

Foto di Stuck in Customs

PROSPETTIVA

La prospettiva è un altro elemento di grande impatto per un’immagine. Se immortaliamo da una certa altezza un soggetto posto più in basso di noi, o, al contrario, lo immortaliamo dal basso verso l’alto, questo incide drasticamente non solo sull’aspetto dell’immagine, evidenziando diversi punti di interesse, angoli, trame, forme, ecc., ma incide anche sul significato e interpretazione  di un’immagine.

Foto di StockingVixen

SPAZIO

La gestione dello spazio può fare in modo che ci sia un continuum tra il soggetto e il suo sfondo oppure può dare al soggetto un certo isolamento dal contesto.
Entrambe le tecniche possono essere efficaci per imprimere una piacevole sensazione di intimità o di estraniamento a seconda che si scelga di lasciare fuori dall’immagine o no parti del soggetto.
A volte è ciò che si lascia fuori da un’immagine che rende l’immagine speciale.

Foto di only alice

EQUILIBRIO

La posizione degli elementi in un’immagine può determinare un maggiore o minore equilibrio.
Troppi punti d’interesse concentrati in un’unica zona dell’immagine, possono appesantire quella zona e altre parti potrebbero appparire vuote. Cercate di trovare la giusta collocazione degli elementi per ottenere uno scatto armonioso.

Foto di Glisglis

IL COLORE

I colori di un’immagine e la loro disposizione possono rendere indimenticabile o rovinare per sempre uno scatto.
Colori vivaci possono aggiungere vitalità, energia e interesse- ma se posizionati in modo sbagliato possono anche distrarre dai punti focali. Anche i colori cupi creano grande impatto.
Il blu e il verde hanno un effetto rilassante, il rosso e il giallo infondono calore ed energia. Sperimentate con diversi accostamenti cromatici e valutatene l’effetto.

Foto di AmUnivers

Foto di Lan Bui

Una fotografia può dire molto su di una persona, specialmente se il fotografo si concentra sugli occhi del soggetto.

Per fotografare gli occhi, è necessario utilizzare il giusto equipaggiamento ed avere un soggetto capace di esprimere emozioni durante la sessione di scatto.

Ecco alcuni consigli pratici per iniziare a fotografare uno sguardo:

1. Spiegate al vostro soggetto perchè desiderate fotografare i suoi occhi, spiegando il valore artistico della fotografia e l’impatto emotivo che produrrà.
2. Avvolgete una sciarpa o un fazzoletto attorno alla testa del vostro modello (o modella) e lasciate scoperti solo gli occhi. In alternativa fate vestire il soggetto in modo sobrio in modo che lo sguardo possa evidenziarsi e non abbia elementi di disturbo (come colori sgargianti o forme insolite dei vestiti).
3. Prestate particolare attenzione alla luce disponibile. Cercate di focalizzarvi sui riflessi di luce all’interno dell’occhio e sui motivi che può creare. Se scattate in esterni invece, fate attenzione alla luce troppo intensa che potrebbe forzare il soggetto a socchiudere gli occhi.
4. Per quanto sia possibile evitate l’uso del flash per non incorrere nella tanto temuta “sindrome degli occhi rossi“. (leggete anche “come evitare il fenomeno degli occhi rossi in fotografia“).
5. Iniziate una conversazione con il vostro soggetto; parlate di cose che stimolino reazione emotive che siano esse di felicità o di malinconia. In entrambi i casi contribuirete a creare forme diverse di sguardo e produrrete scatti enormemente comunicativi.
6. Avvicinatevi al soggetto e riempite l’inquadratura con i soli occhi.

Ok ora avete realizzato delle fotografie di sguardi più o meno professionali. Ma cosa fare se non siete soddisfatti e volete migliorarne il risultato. Ecco di seguito un video che spiega come migliorare lo sguardo in post produzione utilizzando software di fotoritocco come Photoshop. Il video è in Inglese, ma non sarà difficile capire i vari passaggi.

http://www.youtube.com/watch?v=-kIkarvhoa8

Il segreto sta nel ricordare che, come un cuoco non utilizza mai per un piatto tutti gli ingredienti a sua disposizione, allo stesso modo un fotografo non utilizza tutti gli elementi che conosce per realizzare una buona composizione ma cerca uno o più di questi elementi per creare armonia e forza comunicativa nelle proprie fotografie:

PATTERN

Un pattern è una ripetizione di un elemento geometrico su un piano, ad esempio pensiamo ai quadrati di una tovaglia, al motivo di una carta da parati, ad una facciata di un palazzo o ad un marciapiede. Se ci guardiamo attorno ci accorgiamo che i pattern sono ovunque e possiamo sfruttarli per ottenere fotografie di grande impatto visivo.

Foto di kevindooley

SIMMETRIA

A seconda del soggetto, la simmetria può essere un elemento da ricercare o da evitare. Uno scatto simmetrico avente un evidente centro di interesse può creare un’immagine suggestiva, ma senza può diventare prevedibile e banale.

Approfondite il concetto di simmetria in fotografia

Foto di straightfinder

TRAMA O TEXTURE

Con l’uso della trama giusta, anche un oggetto a due dimensioni può prendere vita e apparire quasi come se fosse tridimensionale. La trama entra in gioco soprattutto quando la luce colpisce gli oggetti da angolature particolari e grazie al gioco di ombre che si crea ne da volume e consistenza. Un esempio di trama è dato dalla corteccia di un albero, da una roccia bucherellata dall’acqua o da un terreno spaccato dall’aridità.

LA PROFONDITA’ DI CAMPO

La profondità di campo che si seleziona quando si scatta una foto modifica drasticamente l’effetto che può imprimere l’immagine. Può isolare un soggetto dal suo sfondo o dal primo piano (utilizzando bassa profondità di campo) oppure può integrare il soggetto nel contesto evidenziando ciò che lo circonda (con una maggiore profondità di campo).

Approfondisci il concetto di profondità di campo

Foto di tim ellis

LINEE

Le linee possono essere elementi molto potenti di un’immagine: in un istante attirano l’occhio sui punti focali e amplificano le sensazioni che un’immagine dà al punto d’impatto.

Linee diagonali, orizzontali, verticali o convergenti creano impatti diversi: per valorizzare un’immagine occorre individuarle ed evidenziarle.

Quale momento migliore di una vacanza per esercitare al massimo la nostra passione per la fotografia e scattare migliaia di foto?

La fotografia di viaggio è la più emozionante, perché al di là della pura bellezza compositiva, ha in sé il fascino della temporalità, dal momento che ci fa ripercorrere tutte le tappe del nostro viaggio o della nostra avventura.

Tuttavia, molti di noi torneranno nella migliore delle ipotesi con una memory card zeppa di foto sfocate, male inquadrate, scarsamente illuminate…in pratica da buttare.

E non di rado sentiremo dire: “siamo stati in un posto stupendo, e proprio quel giorno non avevo la fotocamera con me..”

Quindi se avete deciso di partire per una vacanza e avete deciso di riportare a casa dei ricordi fotografici di una certa qualità, ecco alcuni semplici consigli da seguire:

Documentatevi sulla luogo di destinazione

prima di partire passate un pò di tempo in biblioteca, o su internet a leggere il più possibile sui luoghi che andrete a visitare, la loro storia, i paesaggi, e tutti gli eventi che si svolgeranno durante il periodo della vostra vacanza; vi servirà a non trovarvi impreparati in particolari occasioni.

Scegliete un tema su cui incentrare gli scatti.

E’ più semplice scegliere un soggetto se avete deciso in anticipo su quali temi focalizzarvi; ad esempio potete decidere di dedicarvi alla fotografia architettonica, alla street photography o a cogliere le varie sfumature di colori tipiche di un mercato, di una festa tradizionale o di danze popolari.
Potete anche decidere di concentrarvi su di un tema ad ogni vacanze che fate; vi creerete così un vasto archivio tematico e avrete un buon motivo per organizzare sempre nuovi viaggi.

Scegliete con cura l’ora del giorno

Alzatevi presto al mattino o rimanete svegli fino a tardi per avere degli scatti unici. L’ora migliore per scattare fotografie è dall’alba per le due ore successive e da due ore prima fino al tramonto. Durante questo periodo di tempo la luce è morbida e colorata e l’inclinazione dei suoi raggi permette di generare ombre nette che danno profondità ai volumi conferendone un aspetto più realistico

Foto di joiseyshowaa

Una foto vale come mille parole

Mentre siete nel vostro luogo di villeggiatura, fotografate i paesaggi intorno a voi, i dettagli, le case, i balconi fioriti; se li avete con voi usate grandangoli, teleobiettivi e raccontate la storia di quel posto. Sarà molto più piacevole raccontare del vostro viaggio una volta tornati a casa, e le vostre foto diranno di più di quello che uno scrittore potrebbe descrivere con 1000 parole.

Dialogate prima di scattare

Quando fotografate la gente, parlate con loro prima di avere qualche spiacevole sorpresa. La maggior parte delle persone non sono intenzionate a farsi fotografare da qualcuno che non conoscono, tantomeno da qualcuno con cui non hanno mai parlato. Cercate di dialogare, facendosi eventualmente aiutare da qualcuno che conosca la lingua meglio di voi (se siete all’estero). Dopo una breve conversazione, in cui spiegherete la vostra passione per la fotografia, potrete lavorare tranquillamente con i soggetti più caratteristici senza problemi. Mi raccomando però di non inisistere troppo con persone che invece si dimostrano da subito contrarie (e ve lo fanno capire in miniera non troppo educata).

Foto di amy-wong.com

Cercare soggetti ben illuminati

Un osservatore tende a spostare lo sguardo verso la parte più brillante di una fotografia pertanto quando scattate cercate di tenere il vostro soggetto ben illuminato.

Guardate negli occhi

Quando fotografate le persone e gli animali, concentratevi sugli occhi e sullo sguardo. Non dimenticate di utilizzare flash di riempimento per illuminare il volto quando è in ombra o c’è troppo contrasto con la parte illuminata. Il flash aggiunge anche dei piccoli puntini bianchi sulle pupille occhi, che danno comunque un effetto piacevole.

Foto di mnadi

In movimento

Quando fotografate persone o animali, siate veloci! Questo vi permetterà di non mettere a dura prova la pazienza dei vostri soggetti e soprattutto non logorerà il loro umore.

Rompete le regole

E’ sempre importante conoscere le regole della fotografia, ma non abbiate timore di infrangerle occasionalmente; solo in questo modo diversificherete i vostri scatti.
La fotografia di viaggio può essere entusiasmante. E’ bello scoprire e annotare su un supporto digitale il modo e i luoghi in cui culture diverse vivono, lavorano, giocano. Seguendo questi semplici consigli (e dando sfogo a tutta la vostra bravura di fotografi) potrete tornare a casa e mostrare ai vostri amici e colleghi delle bellissime foto e intanto potrete iniziare a pensare al vostro prossimo viaggio.