Foto di Gavin Gough

Creare dei ritratti perfetti, soprattutto durante un viaggio, non è una cosa molto semplice. Prima di tutto dovete ricordare che la cosa più importante non è il luogo o la fotografia, ma l’empatia che si riesce a raggiungere con la persona da fotografare.

Gli elementi tecnici, il campo, la lunghezza focale, l’ottica, sono ingredienti che senza il coinvolgimento personale non riescono a realizzare dei ritratti memorabili. Ciò che rende un ritratto interessante è qualcosa di molto sottile che si instaura tra fotografo e soggetto.

Durante un viaggio, è naturale voler portare a casa immagini che trasmettono qualcosa della cultura che abbiamo visitato ed è evidente che sia la popolazione del luogo a mostrarla nel modo migliore. Però fotografe persone sconosciute non è un’impresa semplice, non è come riprendere un monumento o attrazioni turistiche.

Ritrattistica di viaggio

Essere in sintonia con le persone è fondamentale per ottenere dei ritratti perfetti. Se create un rapporto intimo con chi vi circonda le foto saranno una conseguenza quasi naturale.

Non pensate di fotografare i potenziali soggetti come se esistessero solo per voi, non invadete la loro privacy e se vi sentite degli intrusi forse è perchè lo siete veramente.

Foto di Lesley Fisher

Per prima cosa lasciate la vostra fotocamera nella borsa, abbassate l’obbiettivo e cercate di dare un minimo di spiegazione per i vostri scatti, trascorrere del tempo con le persone da voi scelte vi permetterà di non essere invadenti. Le foto migliori son quelle che raccontano un’esperienza vissuta e quindi prima di scattare l’esperienza deve accadere.

Consigli pratici

Innanzitutto ricordate che tutti gli elementi tecnici che utilizzerete sono un aiuto alla vostra composizione e non un arsenale per riprendere di nascosto il vostro soggetto.

Gli elementi che non devono mancare nella vostra borsa sono :

• ottica a focale lunga
• obbiettivi zoom per una corta profondità di campo
• ottica 16-35 mm, al massimo un’85 mm, i tele obbiettivi lasciateli ai paparazzi
• cartoline del vostro paese da mostrare alla gente che vorrete fotografare, poichè anche loro saranno interessati a voi e al nostro paese

Cercate di non fotografare in pieno sole, se fosse necessario potete sempre utilizzare un ombrello che funge da barriera alla luce; alzatevi un’ora prima dell’alba e fotografate fino ad un’ora dopo il tramonto per avere una luce unica, quasi magica.

Foto di Gavin-Gough

Non date in cambio di scatti fotografici dei soldi, potete ricambiare il favore acquistando gli oggetti del mercante che volete fotografare oppure potete tornare sul posto l’indomani con le stampe delle foto scattate; non abbiate fretta, mostrate alla persone che apprezzate la loro compagnia, seguite con interesse ciò che hanno da dire: mostrate di apprezzare le persone che volete fotografare.

È molto importante creare delle composizioni che riprendano anche l’ambiente circostante che mostri il contesto in cui si trovano i vostri soggetti.

Foto di Ami Vitale

Tenete presente questi piccoli dettagli quando scattate foto durante i vostri viaggi:

• fondetevi con l’ambiente che vi circonda
• stabilite rapporti intimi di complicità con i vostri soggetti
• fatevi apprezzare
• non forzate le vostre richieste
• siate sempre pronti ad accettare un rifiuto

in questo modo i vostri soggetti potranno apparire naturali e saranno il punto di forza dei migliori scatti che otterrete.

Il segreto di un buon primo piano

La semplicità è sicuramente l’ingrediente principale che crea un buon primo piano. Non bisogna cadere nell’errore di introdurre nel quadro del paesaggio una miriade di particolari, è sufficiente un soggetto singolo e forte tanto da attrarre l’osservatore: ad esempio un cespuglio fiorito può essere un ottimo primo piano da inserire nel vostro paesaggio, oppure un masso di pietra diverso dagli altri, ricoperto di vegetazione, oppure uno scorcio d’acqua in movimento o un albero spoglio.

Comporre una foto panoramica con un buon primo piano richiede una particolare attenzione alla semplicità e alle proporzioni: la composizione rende meglio se si rispetta la regola dei terzi, ovvero se il primo piano occupa un terzo inferiore dell’inquadratura, oppure se sale anche fino al secondo terzo della scena.

Linee d’entrata per guidare lo sguardo

Un ottimo consiglio suggerito per una buona composizione per foto di paesaggi, sono le linee di entrata che guidino lo sguardo dell’osservatore dal primo piano allo sfondo: ad esempio le nuvole possono fungere da linee, oppure una fila di pali o un corso d’acqua.

Anche l’altezza a cui riprendiamo porta numerose variazioni nell’aspetto delle immagini. Quindi prendiamoci tutto il tempo necessario e sperimentiamo le varie angolazioni e punti di vista sfruttando al massimo con creatività il primo piano che abbiamo scelto.

La scelta di Toscani è quella di puntare l’obiettivo sull’uso eccessivo della chirurgia estetica, sulla sua mistificazione e troppo facile accessibilità. Oramai nel mondo dello spettacolo anche donne giovanissime affrontano interventi senza troppi ripensamenti e spesso non necessari.

Oliviero Toscani questa volta immortala seni, glutei, volti e qualsiasi parte del corpo che la chirurgia ha modificato fino al totale stravolgimento per affrontare la tematica dell’insicurezza derivante dall’immagine stereotipata della donna offerta dai giornali e le televisioni al giorno d’oggi.

Il reportage che sta creando ha lo scopo di raccogliere scatti in grado di smuovere la sensibilità di tutte le donne e spingerle, in qualche modo, a riflettere e a guardarsi allo specchio in maniera diversa. Toscani sostiene, infatti, che i difetti siano un marchio preciso della personalità e che la chirurgia estetica sia una espressione umana, un atteggiamento culturale perché permette alle persone di inventare la propria natura. La mostra in progetto ha lo scopo di documentare e fare riflettere.
Lo stesso Toscani ha scritto una lettera aperta a tutte le donne protagoniste o vittime della chirurgia estetica chiedendo apertamente a tutte le donne comuni di sottoporsi al suo servizio con la testuale frase:

“Cara, l’occhio è molto più veloce e diretto dell’intelligenza e la gente ormai si fida solo di quello che vede. Permettimi di fotografarti, di narrare la tua avventura, di fermare nelle immagini la manipolazione di se stessi. Solo davanti alla verità delle foto spariscono i ragionamenti, non c’è più bibliografia, non ci sono più dibattiti e non valgono più i distinguo. Tu puoi mostrarci dove porta l’ ambizione, che tutti coltiviamo, di sostituirci alla natura”

Rimaniamo in attesa di ammirare i risultati di questa campagna che di sicuro sconvolgerà non meno delle precedenti.

Il Sony World Photography Awards (SWPA) è il più prestigioso concorso fotografico del mondo con la più vasta gamma di categorie e aperto a fotografi di ogni livello. Il SWPA prevede tre giurie per la premiazione delle tre categorie principali: il professionisti, gli amatoriali e la sezione Student Focus.

Per la prima volta nel 2011 Londra ha ospitato la premiazione finale del concorso, dopo che il Festival ha attraversato 3 importanti città intorno al mondo: San Francisco, Mexico City e Shangai. La cerimonia tenuta presso l’Odeon Leicester Square ha proposto una sfilata completa sui fotografi professionisti vincitori di ogni singola categoria.

Alejandro Chaskielberg

Tra i 13 vincitori, il fotografo argentino Alejandro Chaskielberg ha ricevuto il riconoscimento Iris D’Or con il suo progetto “Hide Tide”, il fotoreport in cui ha immortalato momenti di vita quotidiana della comunità isolana ignorata per decenni sul delta del fiume Paranà.

Ecco una breve galleria dei suoi scatti

Amit Madheshiya

L’ indiano Amit Madheshiya è stato premiato fotografo dell’anno nella categoria “Arte e Cultura” grazie alla sua serie vincente di immagini intitolata People Watching Cinemas at the Nomadic Talkies in cui immortala gli spettatori di proiezioni notturne in cinema itineranti. Questa concezione di cinema nomade è molto popolare nelle aree rurali dell’india e sono spesso visitate da migliaia di persone appartenenti a villaggi vicini: le immagini di Amit catturano le persone, i loro sentimenti e l’atmosfera generale di queste situazioni.

Ecco le sue foto

Pavel Wolberg

Il premio sulla tematica dello Sport va all’israeliano Pavel Wolberg che immortala una particolare gara tradizionale di una popolazione nomade dell’Etiopia: la Fat Man Competition.

Galleria della Fat Man Competition

Il premio per miglior fotografo non professionista del SWPA 2011 è andato al gioielliere di Hong Kong Kwok Hung con il suo progetto Bufalo Race, mentre il concorso Student Focus ha visto come protagonista uno studente francese dell’istituto École Nationale Supérieure Louis Lumiere, Luis Boulet che ha presentato una serie di immagini sul tema Le azioni parlano più forte delle parole.

Della vita di Miroslav Tichy non si sa molto ma negli ultimi anni ha riscosso un enorme successo: il suo carattere burbero che lo ha portato all’isolamento totale, alla vita asociale e alla conseguente perdita di molte delle sue opere lo hanno reso ancora di più un mito.

Il voyeur sovversivo

Le foto di Tichy rispecchiamo pienamente quel suo intento di vivere una vita totalmente autosufficiente ed estranea dai canoni della società. L’oggetto principale del suo interesse sono state le donne di qualsiasi tipo: dalle ragazze che incontrava per strada, alle casalinghe intente nella spesa, dalle prostitute dai forti lineamenti alle aggraziate ballerine. Fotografava principalmente ciò che incontrava per la sua strada e lo faceva di nascosto, da sotto il cappotto.
Molte delle sue fotografie, poi, venivano disegnate, macchiate di inchiostro, stropicciate, strappate e totalmente devastate: si pensa che Miroslav le utilizzasse le foto scattate per fare dell’autoerotismo. A causa della natura erotica di alcuni dei suoi lavori, Tichy non ha mai riscosso gran successo nel suo paesino natale di Kyjov in quanto lo consideravano un guardone folle.

Nonostante Tichy sia stato nella scena per molti anni, ha riscosso una certa fama sono nell’ultimo periodo della sua vita. È da dire, però, che Tichy non si è mai interessato alla promozione della sua arte, ha distrutto gran parte dei suoi lavori facendoci il falò e non ha mai rilasciato interviste tanto che nel 2004, nonostante l’enorme successo riscosso dall’esposizione dei suoi scatti dal collezionista svizzero Roman Buxbaum, il fotografo eccentrico e lunatico non presenziò nemmeno.

Il successo ha comunque portato le sue opere nelle gallerie di tutto il mondo tanto che nel 2010 l’International Center of Photografy di New York ha esposto la sua prima personale.

Ecco una breve galleria dei suoi scatti:

Oliviero Toscani

Oliviero Toscani, è un fotografo estroso e senza peli sulla lingua che ha fatto della provocazione il suo segno di riconoscimento, rifugiandosi sotto la veste di intellettuale impegnato. Anche quest’anno l’artista fotografico ha scaturito la polemica rilasciando un’intervista per nulla velata al Secolo XIX, il quotidiano di Genova, in cui dichiarava apertamente “le donne italiane fanno schifo e preferiscono puntare sulla bellezza anziché sull’intelligenza”.

Ancora una volta, dunque, Oliviero Toscani cala la maschera, dichiarando apertamente il proprio disprezzo del genere femminile nonché quella misoginia che traspariva chiaramente anche nei precedenti lavori.

La provocazione di Toscani ha preso forma concreta con la pubblicazione dell’ormai noto calendario uscito sulla rivista Rolling Stones che ha provocato non poche polemiche tanto che la sua diffusione è stata interrotta dall’Istituto dell’Autodisciplina Pubblicitaria (Iap).

La scelta fotografica, questa volta, si è concentrata su 12 scatti di pube femminile, rigorosamente non depilato, per pubblicizzare un consorzio di concerie di pelli. Di fronte a tutte le censure e polemiche scaturite Toscani risponde che “si mostra l’essenziale, e non quello che si vede nei soliti volgari calendari di pin up, che mostrano tutto meno quello”.

Che le sue provocazioni siano un eccesso di estro è decisamente poco credibile: Toscani utilizza la fotografia per scuotere le coscienze della gente rischiando, in molti casi, di passare per diseducativo.

Tilt-Shift

L’effetto che produce questa tecnica è morto curioso, e di base l’osservatore tende a credere che il soggetto fotografico sia un modellino che riproduce un ambiente reale. Per ottenere questo effetto è necessario disporre di un obiettivo decentrabile (utilizzando per correggere le distorsioni dovute alla prospettiva, molto utilizzato in fotografie di palazzi e di ambito architettonico), ma è possibile simularlo anche attraverso i nostri software di editing di immagini come Gimp e Photoshop. In alternativa vi invito a provare questo sito che converte le vostre fotografie in maniera semplice e con risultati molto soddisfacenti: http://tiltshiftmaker.com/ Sono venuto a conoscenza di questa tecnica dopo aver visto un video musicale, che ripropongo qui di seguito, che mi ha fatto credere realmente che gli ambienti ripresi fossero parte di un “grande modellino” (l’effetto generale è aumentato dal fatto che sembra che il video sia stato realizzato in stop motion).

http://www.youtube.com/watch?v=w5EGTVU6QFc

Draganizzazione

Andrzej Dragan è un fotografo polacco specializzato in fotoritratti ed è il padre dell’effetto che porta il suo nome. Con un effetto simile a quello prodotto dalla fotografia HDR, di cui parlerò a breve, i soggetti ritratti draganizzati si presentano irreali e con una aumentata drammaticità; le linee diventano più nette, le rughe più profonde, gli sguardi più malinconici, la pelle diventa più scura e vissuta o si schiarisce mostrando le vene sottostanti, i volti assumono una nuova espressività. La prima impressione è spettacolare (proprio come nell’HDR) ma a mio parere un abuso di questa tecnica può diluire questo stupore e alla lunga stancare. Per creare l’effetto dragan sulle fotografie è necessario l’utilizzo di un software di fotoritocco come photoshop; l’operazione non è delle più semplici, e le impostazioni possono variare a piacimento dando così la possibilità di rendere unica ogni fotografia creando una “draganizzazione” personale per ogni soggetto. Ecco un video in inglese che spiega come ottenere questo effetto:

http://www.youtube.com/watch?v=v33vqWpnnVM

E naturalmente vi invito a visitare il sito del fotografo: http://andrzejdragan.com/

Time-Lapse

L’effetto time-lapse è una tecnica di cui non si abusa molto, similmente a quello che succede col tilt shift, perchè richiede un grande lavoro di preparazione e di realizzazione se si vogliono ottenere dei risultati soddisfacenti e di buona qualità. In termini fotografici diciamo che il Time Lapse (o fotografia Time Lapse) è composto da una successione di fotografie scattate ad un certo intervallo di tempo l’una dall’altro e che vengono unite digitalmente per produrre un video dall’effetto molto particolare. Tramite questa tecnica quindi è possibile concentrare lunghi periodi di tempo in spazi molto più brevi rendendo visibili alcuni movimenti, come lo sbocciare di un fiore, altrimenti non direttamente percettibili per la lentezza con cui avvengono. Ed è proprio dedicato ai fiori il video time lapse che vi propongo di seguito:

http://www.youtube.com/watch?v=rv6oWhG76pQ

HDR

L’HDR (acronimo di High Dynamic Range) è una tecnica di postproduzione che si è molto diffusa, purtroppo, negli ultimi anni. Dico purtroppo perchè se non utilizzata correttamente produce risultati surreali sulle nostre fotografie, quasi danteschi, anche se bisogna riconoscere che se invece viene applicato in maniera corretta crea delle immagini a dir poco spettacolari. Per creare questo effetto è fondamentale effettuare diversi scatti di uno stesso soggetto utilizzando ogni volta valori differenti di apertura. Il risultato finale sono una serie di foto che si differenziano per la loro luminosità. Il passo successivo consiste nel caricare tali fotografie in un software specifico per creare immagini HDR (ne ho parlato in un vecchio post) che unirà tali immagini e ne genererà una nuova, in cui saranno esaltati tutti i valori tonali della immagine, dalla ombra più scura alle luci più intense in un range molto ampio di valori di luminosità. Praticare l’HDR richiede un grande sforzo di autocritica perchè, come ho anticipato prima, ottenere un risultato ottimale richiede parecchia sperimentazione.

Foto vintage in stile Lomografia o Polaroid

Con la progettazione di smartphone dalle capacità fotografiche sempre migliorate, primo fra tutti l’iphone, stiamo assistendo alla diffusione di numerosissime applicazioni che creano immagini in stile “Vintage”, proprio come quelle che si potevano ottenere in passato utilizzando una Polaroid o una Lomo, una compatta 35mm ritornata in voga negli ultimi 20 anni. Le immagini elaborate da questi software quindi si presentano con il classico bordo bianco (nel caso delle polaroid) o con caratteristiche tipiche delle fotografia anni 70, con tinte poco sature e vignettatura. Un tuffo nel passato, per i malinconici e gli amanti del vintage. Per provare una applicazione simile sul vostro pc, visitate: http://www.poladroid.net/

Guarda il suo lavoro completo su Repubblica Gallerie

Scattare fotografie sotto la pioggia produce effetti contrastanti di drammaticità o di leggero romanticismo. Le nuvole, i colori dell’arcobaleno, i riflessi nell’acqua sono tutti elementi che concorrono a rendere le immagini attraenti e diverse l’una dall’altra.
Di seguito potete ammirare una lista di 35 bellissime fotografie scattate “sotto la pioggia”; che possano essere di inspirazione!

La città di Harlem, in un pomeriggio d’ estate del 2007, ha posato ben 2.045 volte per una delle più grandi fotografie digitali mai realizzate.
L’ artista Gerard May, già conosciuto per le sue fotografie panoramiche (le cui dimensioni variano da 317 Mp a 2,157 Gpx – gigapixel) , ha utilizzato una tecnologia  particolare che gli ha permesso di ottenere questi scatti nel giro di sole due  ore.

E’ stata piazzata una fotocamera su un terrazzo e,  grazie all’ utilizzo di PixOrb (foto a lato), uno strumento studiato specificamente per queste situazioni,  ha iniziato a scattare fotografie ad alta risoluzione muovendosi nelle quattro direzioni.

Il risultato è stata una composizione di immagini la cui dimensione totale è di 14Mpx.

IL SOFTWARE UTILIZZATO

Per mettere insieme il collage di fotografie, Maynard si è rivolto ad una compagnia specializzata in questo tipo di lavori, la Kolor Company, il cui prodotto id punta è il software Autopano Pro.
Autopano Pro è un software molto potente e semplicissimo da utilizzare. L’ unica azione che spetta all’ utente è quella di segnalare la cartella contenente le immagini che compongono il panorama e il software le rileva e ottimizza in modo automatico.
Anche se nella stessa cartella sono presenti immagini di panorami diversi, il software riconosce quelle appartenenti allo stesso gruppo e le divide in più panorami finali.
Sebbene il software riconosca e ottimizzi le immagini in modo molto veloce, ha impiegato 1 giorno intero per realizzare il panorama di Harlem grazie anche all’ utilizzo di server dedicati.
Il file finale è stato esportato in formato .PSB

LA VERSIONE WEB

Soltanto 9 mesi dopo la realizzazione di questo panorama di Harlem, Maynard ha deciso di rendere fruibile questo panorama a tutti gli utenti del web tramite il sito Harlem-13-Gigapixels.org, dove si può navigare attraverso l’immagine, ingrandendo e rimpicciolendone i dettagli, anche quelli che sembrano più lontani.
Per navigare all’ interno dell’ immagine è stato utilizzato il software Zoomify che , in maniera simile a come siamo abituati a vedere quando visualizziamo le foto da satellite di Google Maps, non rallenta il caricamento della pagina e genera porzioni dell’immagine ad alta risoluzione soltanto nel momento in cui si effettua lo zoom su un’area specifica.

Zoomify inoltre permette di visualizzare l’immagine in HD (high definition).

Ora chi il panorama è sul web, Maynard vuole portare la sua immagine in stampa, sempre che riesca a trovare una stampante abbastanza grande per il suo scopo!